Chargement…
Expertises
Nos spécialités
14 domaines d'expertise pour couvrir l'ensemble de vos objets d'art et antiquités
Céramique du XXe siècle
Les grands courants du début du XXe siècle La céramique au XXe siècle en Europe est une production si large qu'il est difficile d'en résumer les grands courants et les artistes principaux. D'une part, la production de faïence ou porcelaine dans le goût des anciens styles se perpétue au début du XXe siècle, et d'autre part, avec l'avènement de grands courants comme l'Art Nouveau et l'Art Déco, elle subit une totale révolution de style. En effet, la céramique classique bourgeoise ou populaire reste toujours dominante avec certaines grands centres de production (principalement de la faïence) : Rouen, Nevers, Est de la France (Creil et Montereau, Sarreguemines), Quimper, porcelaine à Limoge, Faenza (Italie), Delft... mais l'industrialisation met à mal la rentabilité des manufactures, qui font face à beaucoup de difficultés économiques à cette époque. Une nouvelle production aux forme novatrices voit le jour en ce tout début du XXe siècle avec l'Art Nouveau, qui infuse des formes organiques et zoomorphes. Des artistes tels que Jean Carriès, Moreau-Nélaton, Delaherche, Massier (Vallauris), Bigot, Lion et Delpayrat produise des modèles totalement novateurs inspirés de la nature et du Japon. La Belgique aussi joue un rôle important avec la manufacture Royal Boch-Kéramis, primée lors de l'Exposition internationale de Bruxelles en 1897. Elle produira pendant tout le XXe siècle. Pour l'Art Déco dans les années 20-30, le style revient à une certaine géométrie et simplification des formes. Nous retrouvons des artistes comme Lachenal, Mayodon, Buthaud, Luce, Lourioux, Robert Lallemant, et Jean Besnard. Et c'est à cette époque que des ateliers d'artisanat, incluant la céramique, se forment sous l'impulsion des grands magasins : Primavera pour le Printemps et Pomone pour le Bon Marché. Ils permettent une diffusions du nouveau style à une grande échelle pour l'époque. Le début du XXe siècle voit l'avènement des grandes décorations, et de nombreux décorateurs (Jacques-Émile Ruhlmann, Jean-Michel Frank, André Groult, Dupré-Lafon...) intègrent la céramique dans leurs intérieur, et donnent ainsi leurs lettres de noblesse à cette discipline. Renouveau de la céramique au milieu du XXe siècle Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, la céramique européenne connaît un formidable renouveau artistique. Dans un contexte de reconstruction et d'optimisme, les céramistes s'éloignent progressivement des productions traditionnelles pour explorer de nouvelles formes, de nouveaux émaux et un vocabulaire résolument moderne. Si chaque région conserve ses spécificités géologiques et techniques, une véritable liberté créative s'impose entre les années 1950 et 1970. En France, Vallauris devient l'un des principaux centres de cette renaissance. L'installation de Pablo Picasso en 1948 attire de nombreux artistes et contribue au rayonnement international de la ville. Autour de lui gravitent des céramistes tels que Roger Capron, Jean Derval, Robert Picault, Jacques Innocenti, Gilbert Portanier ou encore André Baud, qui développent une production colorée, expressive et souvent inspirée de la nature méditerranéenne. Parallèlement, d'autres foyers créatifs émergent. À Accolay, Kostanda renouvelle les formes utilitaires avec un langage moderne, tandis que La Borne ou Saint-Amand-en-Puisaye deviennent des centres majeurs du renouveau du grès grâce à des artistes comme Robert Deblander. Le couple Lerat, formé par René et Jacqueline Lerat, occupe également une place essentielle dans cette période : installés à La Borne, ils développent une œuvre personnelle mêlant sculpture et céramique, caractérisée par des formes épurées et un profond attachement aux qualités plastiques de la terre. Se distinguent aussi Jacques et Dani Ruelland, Georges Jouve, Pol Chambost, Norbert Pierlot, André Borderie... En Italie, Guido Gambone s'impose comme l'une des figures majeures de la céramique d'après-guerre. En réinterprétant les traditions méditerranéennes avec un langage résolument moderne, il contribue au renouveau de la création italienne, notamment aux côtés des ateliers de Faenza et Albisola, hauts lieux de la céramique contemporaine. Des artistes comme Piero Fornasetti participent aussi à la renommée de la céramique italienne (avec la manufacture Ginori par exemple). La céramique d'après-guerre se distingue par des formes libres, des décors audacieux et une grande richesse d'émaux. Entre artisanat, sculpture et design, cette période marque durablement l'histoire des arts décoratifs. Les années 80, la quête des émaux Les années 80 sont marquées par une génération de céramistes en quête de formes libres et sculpturales à l'image de l'après-guerre, mais aussi en quête de perfectionnement des émaux. L'un des chefs de file, le moine Daniel de Montmolin illustre avec perfection cette mission (Il rédige un ouvrage : "Pratique des émaux de grès. Minéraux et cendres végétales"). D'autres artistes s'illustrent dans cette pratique quasi scientifique : Pierre Bayle, Chapalaz, Champy, Ben Lisa, Girel... Enfin, les années 80, voient aussi l'avènement du groupe Memphis, avec des designers qui s'intéressent aussi à la céramique et y transposent les formes et couleurs si typiques de Memphis : Ettore Sottsass, Martine Bedin, George Sowden, Alessandro Mendini, Alessio Sarri...
Découvrir →
Automobile de collection
Bien plus que des véhicules, ces automobiles sont des objets de passion et de patrimoine. Nous évaluons leur authenticité, leur état, leur historique et leur rareté pour proposer des estimations cohérentes avec le marché des collectionneurs.
Découvrir →
Lettres, Manuscrits & Livres anciens
Ces objets uniques sont des témoins directs de l’histoire. Nous analysons leur authenticité, leur rareté, leur état et leur intérêt historique ou littéraire pour en proposer une expertise approfondie, respectueuse de leur valeur documentaire et émotionnelle.
Découvrir →
Mode & Accessoires
De la haute couture aux pièces emblématiques de grandes maisons, nous accompagnons l’expertise d’objets qui incarnent une époque, un style, une signature. L’état, la rareté et la désirabilité actuelle sont au cœur de notre analyse pour valoriser chaque pièce à sa juste mesure.
Découvrir →
Philatélie
Timbres rares, collections complètes ou pièces isolées : la philatélie repose sur des critères précis de rareté, d’état et d’histoire postale. Nous apportons une expertise rigoureuse pour valoriser chaque élément dans son contexte.
Découvrir →
Photographie
Œuvres d’art à part entière, les photographies nécessitent une attention particulière portée au tirage, à la signature, à l’édition et à la conservation. Nous accompagnons leur expertise avec précision, en tenant compte de la reconnaissance des artistes et de la dynamique du marché.
Découvrir →
Tableaux Modernes & Contemporains
Des premières avant-gardes du XXe siècle aux expressions les plus actuelles, nous accompagnons collectionneurs et vendeurs dans l’expertise de tableaux modernes et contemporains. Chaque œuvre est analysée avec rigueur — authenticité, provenance, état de conservation — mais aussi avec sensibilité, pour en révéler toute la portée artistique et historique.
Découvrir →
Arts d’Asie
Nous mettons notre expertise au service des vendeurs européens et des collectionneurs internationaux spécialisés dans les arts d’Asie. Grâce à notre connaissance du marché et à notre réseau d’acheteurs international (Chine, au Vietnam, Japon etc.), nous vous accompagnons dans l’estimation, l’expertise et la vente de vos œuvres d’art, objets anciens et mobilier asiatique. Notre équipe réunit des spécialistes des arts d’Asie anciens, de l’art contemporain asiatique et de l’art moderne indochinois. Cette expertise s’appuie sur une connaissance approfondie des différents marchés, des échanges réguliers avec les collectionneurs internationaux et une veille constante des tendances du secteur. Nous accordons également une attention particulière à la provenance des œuvres. Les objets issus de collections françaises bénéficient souvent d'un intérêt particulier auprès des amateurs d’art asiatique, en raison de leur histoire, de leur authenticité et de leur traçabilité. Nous accompagnons nos clients dans l’expertise de nombreux types de biens : jades, bronzes, porcelaines, peintures anciennes, sculptures, textiles impériaux, laques, sabres, armures, objets d’exportation ou encore pièces emblématiques du patrimoine vietnamien et d’Asie du Sud-Est.
Découvrir →
Estampes du XXe siècle
Expertise d'estampes du XXe siècle : comment reconnaître une œuvre de valeur ? Qu'est-ce qu'une estampe ? Une estampe est une œuvre imprimée à partir d'une matrice gravée, dessinée ou préparée par un artiste. Contrairement à une peinture ou à un dessin, il ne s'agit pas d'une pièce unique mais d'un multiple, c'est-à-dire d'une œuvre pouvant être tirée en plusieurs exemplaires. Ces tirages sont généralement réalisés en édition limitée et numérotés. Chaque exemplaire provient de la même matrice – plaque de cuivre, pierre lithographique, écran de sérigraphie ou planche de bois – et constitue une œuvre à part entière. L'estampe ne doit pas être confondue avec une simple reproduction industrielle. Lorsqu'elle est créée sous le contrôle de l'artiste, elle fait pleinement partie de son œuvre. Les principales techniques d'estampe Le XXe siècle a vu se développer de nombreuses techniques d'impression artistique. Les plus connues sont la lithographie, qui repose sur le dessin réalisé sur une pierre ou une plaque, la gravure (en taille-douce ou en taille d'épargne), où l'image est gravée dans une plaque de métal ou de bois, ainsi que la sérigraphie, utilisant un écran de soie ou de tissu pour déposer les couleurs. Chaque technique possède ses caractéristiques visuelles et nécessite un savoir-faire spécifique. Les plus grands artistes du XXe siècle, de Pablo Picasso à Joan Miró, Henri Matisse, Marc Chagall, Victor Vasarely ou encore Andy Warhol, ont largement contribué à renouveler l'art de l'estampe. Quelles estampes ont de la valeur ? Toutes les estampes ne présentent pas le même intérêt sur le marché de l'art. Les plus recherchées sont les estampes originales, réalisées sous la direction de l'artiste à partir d'une matrice qu'il a lui-même conçue ou validée. Elles sont le plus souvent tirées en nombre limité, numérotées et signées à la main au crayon. À l'inverse, les reproductions photomécaniques, les affiches ou les impressions décoratives, produites en grande série, possèdent généralement une valeur beaucoup plus faible. La qualité du tirage, son état de conservation, son authenticité ainsi que la renommée de l'artiste sont autant de critères qui influencent son estimation. Les estampes, un marché en plein essor Tout au long du XXe siècle, l'estampe a joué un rôle essentiel dans la diffusion des grands mouvements artistiques. Grâce à des tirages multiples, les artistes ont pu rendre leurs créations accessibles à un public plus large, tout en conservant une véritable dimension artistique. Aujourd'hui, les estampes constituent un secteur particulièrement dynamique du marché de l'art. Elles permettent d'acquérir des œuvres originales de grands artistes à des prix souvent plus abordables que les peintures ou les dessins, ce qui explique l'intérêt croissant des collectionneurs comme des nouveaux amateurs. Faire estimer une estampes L'estimation d'une estampe demande des connaissances techniques et historiques approfondies. Un expert spécialisé est capable d'identifier la technique d'impression utilisée, de vérifier la qualité du tirage, d'examiner la signature, la numérotation et les éventuelles marques de papier. Il peut également distinguer une estampe originale d'une reproduction plus récente et repérer les faux ou les tirages tardifs. Faire appel à un expert est donc indispensable pour connaître la valeur réelle d'une estampe, préparer une vente, réaliser un partage de succession ou simplement mieux comprendre une œuvre conservée dans une collection familiale.
Découvrir →
Céramique & porcelaine
Des premières poteries aux grandes manufactures européennes La céramique accompagne l'histoire de l'humanité depuis près de 10 000 ans. Les premières poteries apparaissent dès la Préhistoire, avant de connaître un développement majeur en Mésopotamie, notamment au cours de la période de Samarra (VIe millénaire av. J.-C.), où naissent les premiers décors peints et les techniques de cuisson maîtrisées. De l'Antiquité grecque et romaine aux productions médiévales, la céramique devient progressivement un objet utilitaire, artistique et commercial. À partir de la Renaissance, l'Europe connaît un véritable essor de la faïence, grâce à l'influence des majoliques italiennes puis au développement de grands centres de production tels que Faenza, Delft, Rouen, Nevers, Moustiers, Strasbourg ou encore Marseille. Fabriquée à partir d'une pâte d'argile recouverte d'un émail stannifère blanc, la faïence se distingue par ses décors peints aux couleurs éclatantes. Découverte de la porcelaine La porcelaine, quant à elle, fascine les Européens dès son importation depuis la Chine à partir du XVIe siècle. Longtemps considérée comme un matériau mystérieux, elle ne sera reproduite en Europe qu'au début du XVIIIe siècle, avec la découverte de sa composition à Meissen, en Saxe. Plus fine, plus dure et translucide grâce à la présence de kaolin, la porcelaine diffère de la faïence par sa résistance, sa sonorité et la qualité exceptionnelle de sa pâte. Au XVIIIe siècle, les grandes manufactures européennes participent à l'âge d'or de la céramique. Meissen ouvre la voie, bientôt suivie par Sèvres en France, Capodimonte en Italie, Vienne, Chelsea, Worcester ou encore Wedgwood en Angleterre, chacune développant un style, un savoir-faire et des décors caractéristiques aujourd'hui recherchés par les collectionneurs. La céramique dans les institutions et les grandes expositions Ces créations sont aujourd'hui mises en valeur dans de prestigieuses institutions, telles que le , le Victoria and Albert Museum à Londres ou encore le Musée Ariana à Genève, qui conservent des collections retraçant plusieurs millénaires d'histoire de la céramique. Au XIXe siècle, les progrès industriels, l'essor des manufactures et les Expositions universelles consacrent définitivement la céramique comme un art décoratif majeur. Les innovations techniques côtoient les réinterprétations des styles anciens, donnant naissance à une production d'une richesse exceptionnelle. Le marché de la céramique ancienne Aujourd'hui, le marché de la céramique ancienne demeure particulièrement dynamique. Faïences régionales, porcelaines des grandes manufactures, terres cuites, grès ou pièces d'exception suscitent un intérêt constant auprès des collectionneurs. L'identification d'une manufacture, d'une époque, d'un décor ou d'une marque nécessite toutefois une expertise approfondie. Faire appel à un spécialiste permet de déterminer avec précision l'authenticité d'une œuvre, son état de conservation, sa rareté et, par conséquent, sa juste valeur sur le marché.
Découvrir →
Joaillerie & Bijoux
L'expertise des bijoux et de la joaillerie : un patrimoine entre histoire, savoir-faire et création Un art qui traverse les siècles Depuis l'Antiquité, le bijou accompagne les civilisations comme un symbole de pouvoir, de prestige, de croyances ou de raffinement. Au Moyen Âge, les ateliers carolingiens réalisent des bijoux d'orfèvrerie d'une remarquable qualité, mêlant pierres précieuses, émaux et motifs religieux. La Renaissance redécouvre les modèles antiques en réemployant camées et intailles, tandis que les orfèvres rivalisent de virtuosité dans la taille des pierres et le travail des métaux précieux. Aux XVIIe et XVIIIe siècles, la joaillerie atteint un niveau d'excellence sous l'impulsion des grandes cours européennes. Les commandes royales témoignent d'un savoir-faire exceptionnel, dont les célèbres Joyaux de la Couronne, aujourd'hui conservés au musée du Louvre, constituent l'un des plus prestigieux héritages. Le XIXe siècle marque une période particulièrement féconde. Les styles « néo » – néo-gothique, néo-Renaissance, néo-Louis XVI ou encore néo-égyptien – revisitent les grandes périodes de l'histoire de l'art. Les Expositions universelles et industrielles consacrent alors les plus grands joailliers, tels que Boucheron, Vever, Chaumet ou Froment-Meurice, récompensés pour l'innovation et la qualité de leurs créations. Vers 1900, l'Art nouveau renouvelle profondément l'esthétique du bijou sous l'influence du japonisme et de l'observation de la nature. René Lalique, Lucien Falize, Georges Fouquet ou Henri Vever créent des œuvres où libellules, orchidées, paons et silhouettes féminines deviennent les principaux motifs décoratifs. Les années 1920 et 1930 voient triompher l'Art déco, caractérisé par ses lignes géométriques, ses contrastes de matières et son élégance intemporelle. Cartier, Boucheron, Georges Fouquet, Jean Després ou Van Cleef & Arpels participent pleinement à cette révolution stylistique qui demeure aujourd'hui l'une des plus recherchées sur le marché. À partir du milieu du XXe siècle, la création joaillière continue de se renouveler avec des maisons et créateurs majeurs tels que Suzanne Belperron, René Boivin, Georges Lenfant, Pierre Sterlé, Mauboussin ou encore Van Cleef & Arpels. Les goûts évoluent au fil des décennies et certaines périodes ou signatures connaissent un fort regain d'intérêt. Le marché est ainsi rythmé par les tendances, qui peuvent faire varier sensiblement la valeur d'un bijou. Les matériaux : un élément essentiel de l'expertise L'identification des matériaux constitue l'une des premières étapes de l'expertise. L'or se décline en plusieurs alliages – jaune, gris ou rose – et en différents titres, généralement exprimés en carats ou en millièmes. L'argent demeure très présent dans la production ancienne, tandis que le platine s'impose au début du XXe siècle, notamment durant la période Art déco, grâce à sa solidité et à sa finesse. L'émail occupe également une place importante dans l'histoire de la joaillerie, qu'il soit champlevé, cloisonné, plique-à-jour ou peint. Certains créateurs ont également expérimenté des matériaux plus inattendus tels que l'acier, l'aluminium, le titane ou encore des essences de bois, reflétant les recherches esthétiques de leur époque. Les pierres précieuses et fines jouent naturellement un rôle majeur dans l'appréciation d'un bijou. Diamants, rubis, saphirs, émeraudes ou encore pierres ornementales présentent des qualités très variables selon leur origine, leur couleur, leur pureté, leur taille ou d'éventuels traitements. Distinguer une pierre naturelle d'une pierre synthétique ou d'une imitation nécessite souvent l'intervention d'un spécialiste équipé d'instruments gemmologiques adaptés. Enfin, les fluctuations du cours des métaux précieux et l'évolution du marché des gemmes influencent directement la valeur des bijoux. Les bijoux d'artistes : entre sculpture et joaillerie À partir de la seconde moitié du XXe siècle, de nombreux artistes investissent le domaine du bijou comme un véritable terrain d'expression. Pablo Picasso, Georges Braque, Alexander Calder, Salvador Dalí, César, Arman, Niki de Saint Phalle ou encore Bernar Venet réalisent des bijoux qui prolongent leur œuvre sculptée ou picturale. Produites en exemplaires uniques ou en séries limitées, ces créations peuvent être réalisées en or, en argent, en bronze ou dans des matériaux plus contemporains. Leur valeur dépend autant de la notoriété de l'artiste que de la rareté de l'édition, des matériaux employés, de leur provenance et de leur état de conservation. Une expertise indispensable pour révéler la valeur d'un bijou L'expertise d'un bijou ne se limite pas à l'identification de son métal ou de ses pierres. Elle consiste également à reconnaître un style, une époque, une technique de fabrication, un atelier ou un créateur. L'étude des poinçons, signatures et marques de fabricant demande parfois des recherches approfondies, mais peut considérablement modifier l'attribution et la valeur d'une pièce. Grâce à des outils adaptés – loupe binoculaire, microscope, testeurs de métaux, matériel gemmologique – l'expert est en mesure d'évaluer avec précision les matériaux, l'état de conservation, les éventuelles restaurations ainsi que l'authenticité du bijou. Faire appel à un spécialiste permet ainsi d'obtenir une estimation fiable et de révéler tout l'intérêt historique, artistique et patrimonial d'une création, qu'il s'agisse d'un bijou ancien, d'une pièce de haute joaillerie ou d'une œuvre d'artiste. Pour approfondir l'Histoire du bijou :
Découvrir →
Horlogerie
Les montres de collection : un marché porté par la passion et l'excellence horlogère Un patrimoine horloger en constante évolution Depuis plusieurs décennies, les montres de collection occupent une place de choix sur le marché de l'art et des objets de collection. Longtemps considérées comme de simples instruments de mesure du temps, elles sont aujourd'hui recherchées pour leurs qualités techniques, leur histoire, leur rareté et leur esthétique. Les grandes manufactures suisses, françaises ou allemandes ont contribué à faire de l'horlogerie un véritable art, où savoir-faire mécanique et raffinement décoratif se conjuguent. Le marché couvre aujourd'hui plusieurs siècles de production, des montres de poche du XVIIIe siècle aux créations contemporaines des plus prestigieuses manufactures, en passant par les montres-bracelets devenues iconiques au cours du XXe siècle. Des montres de poche aux montres-bracelets Avant la généralisation de la montre-bracelet au début du XXe siècle, les montres de col et montres de gousset constituaient les principaux garde-temps personnels. Réalisées en or, en argent ou en métal précieux, elles témoignent souvent d'un remarquable savoir-faire horloger et décoratif. Certaines présentent des complications recherchées, telles que répétition à minutes, chronographe, quantième perpétuel ou phases de lune, tandis que d'autres séduisent par la finesse de leurs émaux, gravures ou boîtiers ciselés. Si les montres-bracelets dominent aujourd'hui le marché, les plus belles montres de poche continuent de susciter l'intérêt des collectionneurs, notamment lorsqu'elles sont signées par de grandes maisons ou conservent leur mouvement et leurs accessoires d'origine. Le succès du vintage et des icônes du XXe siècle Depuis plusieurs années, le marché connaît un véritable engouement pour les montres vintage, en particulier celles produites entre les années 1950 et 1990. Ces modèles séduisent autant par leur qualité de fabrication que par leurs proportions, leurs cadrans patinés ou leur histoire. Les premières Rolex sportives, les créations de Cartier, les modèles historiques d'Audemars Piguet ou de Vacheron Constantin, mais également les réalisations plus contemporaines de F.P. Journe, figurent aujourd'hui parmi les références les plus recherchées. Certaines séries limitées ou modèles produits en faibles quantités atteignent désormais des valeurs particulièrement importantes. Au-delà des grandes signatures, de nombreuses manufactures historiques proposent encore des modèles offrant un excellent rapport entre intérêt patrimonial, qualité horlogère et valeur de marché. L'état de conservation : un critère déterminant Comme pour toute œuvre de collection, l'état de conservation constitue un élément essentiel dans l'évaluation d'une montre. La qualité du mouvement, son fonctionnement, la présence des composants d'origine, ainsi que l'absence de modifications majeures influencent directement sa valeur. Les éléments esthétiques méritent une attention tout aussi importante. Un cadran d'origine, même légèrement patiné par le temps, est généralement bien plus recherché qu'un cadran entièrement restauré ou repeint. De la même manière, un boîtier excessivement poli peut perdre une partie de ses volumes, de ses arêtes et de son intérêt historique. Les restaurations trop importantes ou les remplacements de pièces d'origine peuvent ainsi diminuer sensiblement la valeur d'une montre, même lorsqu'elles sont réalisées avec soin. Les pendules de bureau et de voyage Le marché de l'horlogerie de collection ne se limite pas aux montres. Les pendules de bureau, pendulettes de voyage et horloges de table connaissent également un regain d'intérêt. Produites par des maisons prestigieuses telles que Cartier, Jaeger-LeCoultre ou encore Hermès, elles associent souvent qualité horlogère et excellence des arts décoratifs. Certaines créations Art déco ou des années 1950 à 1970 sont aujourd'hui particulièrement recherchées pour leur élégance, leurs matériaux nobles et leur rareté. L'expertise, une étape indispensable Déterminer la valeur d'une montre ne se résume jamais à identifier sa marque ou son modèle. L'authentification du mouvement, la cohérence entre les différents composants, la présence des numéros d'origine, des papiers, de l'écrin, l'état de conservation ou encore la rareté d'une référence sont autant de critères qui nécessitent une expertise approfondie. Faire appel à un spécialiste permet d'apprécier avec précision l'intérêt historique et patrimonial d'un garde-temps, d'en établir une estimation fiable et d'orienter son propriétaire vers le mode de valorisation le plus adapté. En cas de restauration ou d'entretien, il est également essentiel de confier sa montre à un horloger qualifié, capable d'intervenir dans le respect des techniques d'origine. Un entretien adapté permet de préserver le fonctionnement du mouvement sans altérer l'authenticité de la pièce, garantissant ainsi sa conservation et sa valeur sur le long terme.
Découvrir →
Arts d’Afrique, d’Océanie & Précolombien
Une des spécialités principales de notre maison Les Arts d'Afrique, d'Océanie et des Amériques sont parmi les spécialités les plus importantes de notre Maison. Ulysse Gaunet, commissaire-priseur au sein de la Maison de vente Ulysse & Victor, est un connaisseur des Arts de ces régions et a constitué au fil du temps un réseau d'experts et de collectionneurs amoureux de ces Arts. Une spécialité aux multiples facettes Le regroupement des Arts d'Afrique, d'Océnaie et des Amériques est souvent réalisé dans le cadre d'exposition ou de vente, mais cela cache la richesse et la diversité des arts de ces continents. La singularité de chaque culture, pays ou époque ne permet de faire de généralités, ainsi chaque objet doit être étudié par un expert connaisseur de l'ère géographique d'où provient celui-ci. Liste exhaustives des régions et cultures liées à cette spécialité : Des grandes collections et ventes historiques Les objets provenant de ces régions ont été convoités depuis des siècles par les collectionneurs. Nous retrouvons des objets dans les collections de toutes les cours européennes, en particulier pendant la mode des "cabinets de curiosité" aux XVIIe et XVIIIe siècles. De grands voyageurs comme Dumont d'Urville, Louis-Antoine de Bougainville, Le Comte de La Pérouse, ou James Cook en Angleterre, ont permis, dès les XVIIe et XVIIIe, d'ouvrir la voie vers ces continents et perfectionner la connaissances de ces civilisation. Suivis au XXe siècle par des explorations comme la Korrigane ou la Croisière Noire. Au XXe siècle, la mode pour les arts dits "Primitifs" revient au travers de la modernité et en particulier du cubisme. Les formes si modernes de certaines sculptures traditionnelles inspirent des artistes tels que Picasso, Giacometti, Modigliani, Brauner, ou encore Matisse. Voir l'exposition "". De nombreux musées s'intéressent au milieu du XXe siècle à ces régions et commencent à constituer d'importantes collections, tel que le de New York. Des collectionneurs privés forment aussi de belles collections : Paul Guillaume, Félix Fénéon, Peggy Guggenheim, Helena Rubinstein, Nelson Rockefeller... Les fournisseurs du marché sont de grands marchands tels que Charles Ratton, le couple Kamer, Julios Carlebach, Mathias Komor, Jacques Kerchache (initiateur du avec Jacques Chirac). À la fin du XXe siècle, le marché est très actif et compte de multiples collectionneurs. Le début du XXIe siècle est marqué des ventes de très grandes collections qui battent tous les records : Collection Vérité en 2001, Collection Myron kunin en 2014, Collection Marceau Rivière en 2019, Collection Périnet en 2021, Collection Barbier-Muller en 2024.
Découvrir →
Design & Arts Décoratifs du XXe siècle
Le Design et les Arts décoratifs du XXe siècle : un siècle d'innovation et de création À la charnière des XIXe et XXe siècles, le design moderne prend véritablement son essor avec la Sécession viennoise, fondée en 1897 par Gustav Klimt, Josef Hoffmann, Koloman Moser et plusieurs artistes autrichiens. En rupture avec les styles historicistes, ce mouvement défend une vision nouvelle des arts décoratifs où architecture, mobilier, objets et arts graphiques forment un ensemble cohérent. La Wiener Werkstätte, créée quelques années plus tard, prolonge cette ambition en valorisant l'excellence artisanale, les lignes épurées et l'unité entre esthétique et fonctionnalité. Cette recherche d'un « art total » marque profondément l'histoire du design européen. Les débuts du Design Dans cette continuité, le Bauhaus, fondé en Allemagne en 1919 par Walter Gropius, révolutionne durablement la conception des objets, du mobilier et de l'architecture. Son ambition est de réunir arts, artisanat et industrie afin de créer des formes simples, fonctionnelles et accessibles au plus grand nombre. Cette approche influence profondément le design européen tout au long du siècle et pose les fondements du modernisme. En France, les années 1920 et 1930 voient s'épanouir le mouvement Art déco, consacré lors de l'Exposition internationale des Arts décoratifs de 1925. Les plus grands décorateurs imaginent des intérieurs d'une élégance exceptionnelle, où les essences précieuses, les laques, le parchemin, le métal ou le galuchat témoignent d'un savoir-faire raffiné. Jean Dunand, Jacques-Émile Ruhlmann, Pierre Chareau, Jean-Michel Frank ou encore André Arbus comptent parmi les figures majeures de cette période. Les grands paquebots transatlantiques, tels que le Normandie, deviennent alors de véritables vitrines du luxe français : architectes, décorateurs, ferronniers et maîtres verriers y réalisent des ensembles prestigieux qui illustrent l'excellence des arts décoratifs de l'époque. Le Design fonctionnel après la guerre Après la Seconde Guerre mondiale, le design adopte une approche plus fonctionnelle tout en conservant une forte exigence esthétique. Jean Prouvé développe un mobilier innovant fondé sur les techniques industrielles, tandis que Charlotte Perriand, en collaboration avec Le Corbusier, repense les liens entre architecture, mobilier et modes de vie. La Cité Radieuse de Marseille, inaugurée en 1952, demeure l'une des réalisations les plus emblématiques de cette vision moderne, intégrant architecture, aménagement intérieur et mobilier dans un projet global. Les Trente Glorieuses favorisent ensuite la démocratisation du design grâce à l'apparition de nouveaux matériaux comme le contreplaqué moulé, le plastique ou l'aluminium. Les créations de Charles et Ray Eames, Arne Jacobsen, Hans J. Wegner, Verner Panton ou encore Joe Colombo accompagnent cette profonde transformation du mobilier contemporain. En France, Jean Royère développe un univers singulier aux formes organiques et poétiques, aujourd'hui particulièrement recherché par les collectionneurs. À partir des années 1950, le design scandinave s'impose par son élégance, sa sobriété et son rapport à la nature, tandis que le design italien devient un véritable laboratoire d'innovation. Les éditeurs Cassina, Kartell ou Artemide participent au rayonnement international de cette nouvelle génération de créateurs. Le renouveau des années 80 Dans les années 1980, le design connaît un profond renouveau. En réaction au fonctionnalisme hérité du modernisme, les créateurs renouent avec l'expressivité, la couleur, les références historiques et une plus grande liberté formelle. Fondé à Milan par Ettore Sottsass, le groupe Memphis bouleverse les codes établis avec des meubles aux volumes géométriques, des stratifiés colorés et un langage volontairement audacieux qui marque durablement le design postmoderne. En France, cette période voit émerger une nouvelle génération de designers et d'ensembliers. Elizabeth Garouste et Mattia Bonetti développent un univers singulier où mobilier, luminaires et objets décoratifs mêlent artisanat d'art, références historiques, poésie et fantaisie. Leurs créations, souvent réalisées en éditions limitées, occupent aujourd'hui une place majeure sur le marché international. André Dubreuil s'impose quant à lui par un vocabulaire sculptural inspiré du travail du métal, associant lignes graphiques, ferronnerie d'art et influences classiques dans des pièces devenues emblématiques. Jean-Michel Wilmotte adopte une approche plus épurée, conciliant architecture, design et aménagement intérieur grâce à un travail subtil sur les matériaux, les proportions et la fonctionnalité. Cette décennie voit également le développement de nombreuses galeries et éditeurs qui favorisent la production de mobilier contemporain de collection, brouillant les frontières entre design, sculpture et arts décoratifs Grandes institutions et marché de l'art Les grandes institutions européennes témoignent aujourd'hui de cette richesse créative. Le Musée des Arts Décoratifs de Paris, le Centre Pompidou, le Vitra Design Museum en Allemagne, le Design Museum de Londres ou encore la Triennale Milano conservent des collections majeures retraçant l'évolution du design et des arts décoratifs du XXe siècle. Aujourd'hui, le marché du design et des arts décoratifs du XXe siècle connaît un dynamisme exceptionnel. Les créations des grands designers, les productions des manufactures emblématiques et les pièces éditées en séries limitées séduisent aussi bien les collectionneurs que les amateurs d'architecture et de décoration. L'attribution d'un modèle, l'identification d'un éditeur, l'authentification des matériaux ou encore l'analyse de l'état de conservation sont autant d'éléments essentiels pour déterminer la valeur d'une œuvre. Une expertise spécialisée permet ainsi d'apprécier pleinement son intérêt historique, esthétique et patrimonial.
Découvrir →Vous ne trouvez pas votre catégorie ?
Contactez-nous directement, nos experts sauront vous orienter.